銀塩写真とデジタル写真

 こんな声を聴きました。「某ギャラリーのオープニングはデジタルプリントなのでがっかりした・・・」

そこで、アート作品としての銀塩写真とデジタル写真の違いについて考えて見たくなり、まずはAIに質問してみました。その回答は次の通りです。

＊＊＊

銀塩写真の制作態度：制約と身体性

銀塩写真（特にモノクロ）を選ぶ作家は、しばしば以下のプロセスを「思考の深さ」として重視します。やり直しのきかない緊張感: フィルムは枚数に限りがあり、撮影の瞬間に露出や構図を完璧に決める必要があります。この「一撃」にかける集中力が、作品への純粋な向き合い方（態度）として評価されます。
暗室での身体的対話: 薬品の温度管理や、手作業での「焼き込み・覆い焼き」など、自身の身体を使って光を形にするプロセスは、単なる記録を超えた「工芸的・肉体的な表現」とみなされます。
不自由さの受容: 技術的な制約をあえて引き受けることで、安易な加工に頼らない「作家としての規律」を課す姿勢です。

デジタル写真の制作態度：概念と拡張性
一方で、現代のアートシーンではデジタル写真の「高度さ」は別のベクトルで語られます。
イメージの再構築: 大量の撮影データから真実を抽出する編集能力や、デジタルでしか不可能な合成・加工を用いた「コンセプチュアル（概念的）」な表現は、知的な高度さを求められます。
技術の等価性: 現代では「何で撮ったか」よりも「なぜそれを、そのように提示したか」という文脈（コンテキスト）が重視されます。デジタルは、作家の意図をミリ単位、1ピクセル単位でコントロールできる精密な道具といえます。

結論としての視点
銀塩：物質（銀や光）との対話を通じて、「一期一会の深み」を追求する態度。
デジタル：情報の海から独自の視覚言語を構築し、「視覚の拡張」を追求する態度。
かつては「手のかかる銀塩こそが真のアート」という保守的な見方もありましたが、現在は「表現したい内容に最適な道具を選べているか」という作家の選択眼そのものが、制作態度の誠実さとして問われます。

＊＊＊

なるほど。「よく調べたね！」と褒めたくなるような回答です。質問に対してきちんと答えているところはさすがAIです。
しかしながら、もし私が質問されたら「なんで銀塩とデジタルの違いにこだわるの？　自分の意図を表現するためなら何を使っても同じでしょう！」と答えたいですね。AIはそんな失礼な回答をしないようチューニングされているのでしょうが、お利口な回答ばかりに囲まれていると、人間の成長が止まってしまうような恐ろしさも感じます・・・

服部一人写真展 「いつか見たタイ」

 ギャラリーストークスの服部一人写真展「いつか見たタイ」にお邪魔しました。

パノラマカメラ（手作りの6×12）で撮影し、プリントもご自分で焼いたという写真は暖かみのある視線で統一されています。フィルムは富士とコダックを使ったそうですが、プリントをみても区別は出来ません。

カラープリントの手作業は大変な苦労があると思いますが、フィルム文化を何としても残したいという強い使命感をお持ちでした。しかしながら、富士フイルムがカラー印画紙の製造をやめるというアナウンスが先ごろあったとかで、大変なご時世になったものです・・・

6×12カメラは既存のパーツを組み合わせたという手作りで、存在感があります。

4×5グラフロックに蛇腹のフォーカシングレールの付いたホースマンの部品は、引き伸ばし機にも応用できそうです。

服部先生の大判カメラワークショップには、研究会の会員も参加していますが、これからも続けるそうで楽しみです。

小林紀晴写真展「Cyber Modernity」

 ニコンサロンの小林紀晴写真展は、予想に反し（失礼！）大判カメラで撮影されたかのように都市を精密に描写した素晴らしいものでした。作者の名付ける「超現代電子空間」には生身の人間は殆ど見当たりません。ほとんど例外的に女性の半身像がありますが、都市を眺めている後ろ姿で、主役というよりは我々と同じ観客の一部のようです。

東アジアの、その土地の伝統や文化と切り離された異様な都会風景は、月並みな印象ではブレードランナーの舞台のようにも見えます。空飛ぶ自動車でも写っていないかと、探してみました・・・

会場を出て表を眺めると、新宿の街も異様な光に包まれているような錯覚を覚えました。

建て物写真展と杉山吉良展

　 JCIIで二つの写真展をみました。

・第21回　建て物写真展

以前会員だったK氏が世話役を務めている建物の写真展（前回はこちら）

国内外の建物を様々な角度で切り取っています。自分の好みもあるでしょうが、白黒写真の方が建築物の構造を見せるのに適しているようです。

杉山吉良作品展　「美しき巨人」

女性写真で有名な写真家の作品展ですが、90歳近い実業家・松永安左ヱ門氏を10年間追い続けたポートレートです。日常の瞬間を切り取る撮影の腕前もみごとですが、それ以上に驚いたのはプリントの美しさです。係りの人にお話を聞くと、60年前のオリジナルネガからあらたにJCIIの担当者がプリントしたのだそうです。この時代のネガはビネガーシンドロームに侵されるものだと思っていましたが、そのような形跡は感じられません。保管方法による違いもあるのでしょうか。

CP+ 2026

 パシフィコ横浜のCP+に行きました。昨年と同様、駅から会場までのバナーは控えめです。

会場には今までより銀塩写真の関係が増えたように思います。なかでもポラロイドが結構大きなブースを構えているのに驚きました。話を聞くとフィルム生産は継続しているとのこと。かつて「インポッシブル・プロジェクト」として、元従業員が再開したのだそうです。ロゴはPolaroidからpolaroidに替っていました。

おもわず「ピールアパート方式のフィルムは再開しないの？」と聞くと、「その質問は今日で5人目です！」とのご返事でした。タイプ55フィルムなどの再開は無理そうです。

銀塩関連ではかわうそ商店もブースを構えています。フィルムだけでなく現像タンクも色々あり、パターソンのタンクでシートフィルムを現像するアダプターや、モーターで回転させる装置など、興味深いものがあります。

薬品ではコダックのD76やエクストールも展示してありました。並行輸入で入手可能だそうですが、お値段もフィルム並みに上がってしまうようです。

昨年以前に比べ銀塩写真の復権が目立つようで、すこしうれしくなりました。

不思議な展示も・・・

ウエストレベルファインダーを備えたデジカメのコンセプトモデルがキヤノンにうやうやしく飾ってあります。具体的な発売予定はなさそうですが、粗い画質がアナログ的・・・というコンセプトらしいので、少し違うなあと思いつつ会場を後にしました。

二つの眼差し 矢島公雄＋Chema Madoz写真展

私たちは写真が三次元の世界を二次元に表現するものだ、という知識や先入観を持っているのですが、それを逆手にとったマジックをみるとなぜかとても楽しくなります。

ギャラリーE&Mで終了間近の矢島公雄＋Chema Madoz写真展を観ました。

何気なく見ると積み重ねた本に過ぎない写真から、とつぜんエッフェル塔が浮かび上がったり、青空だと思っていたら青い紙だったり・・・と、作家は「図」と「地」を自由自在に入れ替えたり、空間と実体をすり替えてしまいます。見ていくに従い、次の写真にはどんな仕掛けがあるのか、身構えている自分に気づきます。

作家が好きだったというマグリットの絵と共通する諧謔の精神も感じます。

幸運なことに会場には作家の奥様が居られて、作品創りの種明かしや苦労話などを伺うことが出来、とても楽しいひと時になりました。現在ならデジタルで合成なども容易にできるのでしょうが、アイデアを実現するために、途方もない努力がはらわれたということも驚きです。アイデアの発見と執念とがこれらの作品を成り立たせているようです。

＊＊＊

作家の矢島公雄氏は、病床でこの展示の様子をスマートフォンの画面で確認してから旅立たれたそうです。鮮やかなマジシャンの幕引きにはさらに驚かされました。

暗室フェス

 浅草橋駅から歩いて数分のところにある「写真企画室ホトリ」で、「暗室フェス」を拝見しました。

DMをみると、暗室用品の即売会か？とも思えますが、作者が暗室でプリントした作品を展示する公募展です。白黒だけではなく、カラープリントの手焼きもあります。キャプションにプリントした暗室も表記してあるのがユニークなところで、名の通ったレンタル暗室や自宅暗室など様々ですが、やはり自宅で処理する人は少数派のようです。

1階のギャラリーから急な階段を上ると手作り感満載の暗室があります。研究会会員の鈴木さんが整備に力を尽くしています。

暗室で作品を作り、それを同じギャラリーで展示するのが理想的です。

（この暗室のレンタルはまだ検討中だそうですが）

暗室で写真を創るというプロセスは手間も費用もかかりますが、何をどう表現するのか、ゆっくりと検討しながら仕上げていくのが大切ですね。