東京の猛暑日も8日目となりました。モノクロームギャラリーレインで始まった「Double Platinum 久保元幸×杉野信也」展にお邪魔しました。（7/2～31の土日のみ開催）
会場ではプラチナプリントに持っていた既成概念を覆される、漆黒をベースにした陰影の強いプリントが目に飛び込んできます。ネガを使わず、紫外線レーザーで焼き付けるという特殊な技術を使った、これが唯一のオリジナルプリントになるのだそうです。
デジタル技術で可能になるイメージのプロセスもあるそうで、「古典技法」などと呼ばれるオルタナティブ・プロセスも新たな技術と組み合わせることで、より表現の幅を広げる可能性があると感じました。
写真家は杉野信也氏という、不勉強ながら初めて知るお名前でした。カナダ在住で、プラチナに限らず、様々なオルタナティブ・プリントを手掛けているそうです。写真集を拝見すると、ゴシック・ロマン的な世界に引き込まれます。
光は満ちているのに陰は限りなく深い、ヴェニスはそんなイメージを喚起する場所なのでしょうか。
それにつけても、昨今のプラチナやパラディウムの高騰は大変なことになっているそうです。国際情勢がこんなところにも影響しているのですね。
猛暑が1週間も続き、外出にも命の危険が感じられる今日この頃ですが、中野のギャラリー冬青に岡崎正人写真展を観に行きました。（7月1日～30日まで）
作品はすべて横長のパノラマで統一され、不思議な光と陰に満ちています。どこか夢の中のようで、直線は湾曲し太陽も黒くぼんやりと輝いています。
撮影の種明かしを伺うと、使用したフィルムは歯科用パノラマレントゲンフィルムで、40年も前のものだそうです。とっくに期限は切れており、現像するとカブリがはげしく、ネガを見てもほとんどなにが写っているのかわからない。それを逆手にとって不思議な世界を表現するために、試行錯誤の連続にまる2年を費やしたと聞いて驚きました。
太陽が黒く写る「ソラリゼーション」はアダムスの作例にも登場しますが、望み通りの効果を出すための露出時間を求めたり、周囲が露出オーバーにならないよう撮影中に「覆い焼き」をするなど、完成した作品を見るだけではとうてい想像の出来ない努力があったそうです。
カメラは金属製ペンキ缶による手製で、広角撮影につかえるピンホール素材も各種探したとか。両面に乳剤が塗布されたレントゲンフィルムをムラなく現像するために、トレーに細工を施したそうです。どこか朦朧とした世界を仕上げるためにはメラから暗室処理まで独創やノウハウの積み重ねであることに作者の勢いを感じます。
来週は猛暑も少し治まりそうで、そうなれば暗室作業を再開できそうです。
現像時間を計るのは普通のキッチンタイマーを使ってきたのですが、新たに「スマートスタートタイマー」というものを買いました。（エー・アンド・デイ製 AD-5715)
快晴の土曜日、井津建郎氏の写真作家活動５０年を期した写真展をはしごしました。
8×10でとらえた能面のポートレートが中心で、作者は老境にいたって能の美を改めて発見したそうです。お面は見る角度や光の角度によって表現する感情が変化しますが、それを二次元のプリントに固定し、自分の表現としています。
8×10でアップにした能面はほとんど等倍の接写なので、その描写力も圧倒的です。
DMにもなっているストーンヘンジと月がみごとです。間近に見ると、露光時間が長いので月が動いていて、時の流れも感じる仕掛け？になっていました。
ルーニィを出てぶらぶら馬喰横山駅まであるいていると、クラシックなビルが目につきました。なかなか良い雰囲気です。
先日の春日広隆個展CUBAと同じ会場で、恒例のフォトグラフィック・アート・アジア展を拝見しました。ゆったりした会場で、メンバー10名の個性的な展示が楽しめます。今年は例年より白黒の作品が多いように感じました。
写真の題材、メディアなど各メンバーのこだわりが感じられるものばかりです。そのバリエーションもさることながら、それぞれが自分の表現を追及し、内容や技術を実験していくという態度は見習うべきだと感じました。
「スナップ美学と日本写真史」というサブタイトルの分厚い本を一気に読みました。とてもスリリングで示唆に富んだ写真論です。いままで漠然と「スナップショット」というくくりで捉えていた写真たちも、それを成り立たせた社会の状況や価値観・ハードウエアの進化・そして何より撮影する側とされる側との関係など、多面的な分析がされています。
たとえば第4から5章では戦中戦後のプロやアマチュアの状況が考察されています。
何十年もの時を隔てて振り返ると「絶対非演出」という価値観が尊重されてきたのが不思議にも思えます。国策プロパガンダに協力したことへの反省から、土門たちが主唱した態度だということです。報道写真が「ヤラセ」を避けることは（表向きは）当然としても、アマチュアまでにも深く影響したことは興味深いことです。当時の「生活綴り方」との共通性を指摘する指摘も新鮮でした。そうだとすればこの価値観や美学は日本特有の現象なのでしょうか？ 大多数のアマチュア写真家にとって都会（の貧しい部分）を撮ることが、大自然などより手近で簡単・キャンディッド写真のスリルを楽しめたという指摘も新鮮です。
本書のキーワードの一つでもある「窃視」が「盗撮」と言葉を変えてより日常化しているのは、その伝統なのでしょうか？
レッスンプロが、主としてカメラ雑誌を舞台にアマチュアを指導するという構図は、お茶や生け花などとそれほど変わらない趣味の世界の出来事だったのでしょう。
同時代のスターでもあった名取や木村が、戦争協力の経歴を棚に上げて平和を説いたり、カルティエ＝ブレッソンと同列に扱われるようにしたことなど、思わず笑えるような指摘もあります。
本書の守備範囲は膨大で、とても全部は紹介しきれませんが、刊行時期がアサヒカメラや日本カメラという老舗写真雑誌の退場と同時期だったのは偶然とは思えません。
研究会では新たなゾーンシステム解説のパンフレットを編集していますが、その過程で気になることがありました。
そのひとつに「EV（Exposure Value）」について、単体露出計を使いマニュアル露出を行う研究会のなかでも認識に違いがあることに気づきました。
なかでも「EVはISO感度100で撮影するときの絞りとシャッターを表す数値」だという考えがありました。EVは絞りとシャッターの組み合わせを表すことに間違いはないのですが、ISO100に限定しているわけではありません。なぜこのようになったのでしょうか？
ひとつの推測として、ゾーンシステムで必須アイテムであるスポット露出計が考えられます。現在市販されているデジタルのスポット露出計は、ファインダーを覗いてスイッチを押せば、EVが表示されます。フィルムの感度は予め露出計にセットしておくので、被写体の明るさは同じでも、感度が変われば当然EVも変わります。
一方、むかしのペンタックス・スポットメーターでは同様にファインダーで数字を読み取りますが、その値はフィルムの感度を切り替えても一定のままです。読み取った数値を本体の計算ダイヤルに移し、そこでフィルムの感度を加味して絞りとシャッターを読み取ることになっています。
フィルムの感度設定によってファインダーの表示が変化するようなカラクリは、当時の技術ではむずかしかったのでしょう。
そのため、ペンタックスのファインダーで読み取った数値を「EV」と混同することがおきてしまったようです。（あくまで推測ですが）
改めてネットで検索してみると、ずいぶんいい加減な解説が目につきます。なかには「EV＝TV+AV-ISO値」などという珍説もありました。
デジタルカメラは自動露出が当然なのでEVの知識がなくても支障はないでしょう。しかし銀塩写真の普及を願う身としては、正しい認識を広めたいと思うようになりました。
新聞小説を読む習慣はあまりないのですが、3月28日の朝日新聞に載っていた池澤夏樹の「また会う日まで」をみていて「東京帝大の小穴純君」という記述が目に入りました。
東京大学の駒場博物館で「小穴純とレンズの世界」という展示を見たのがもう10年以上むかしの2009年でした。年譜によると、帝大の講師であった昭和9年、26歳の時に「南洋ローソップ島において日食観察」とあるので、小説に描かれているのはこのときのことなのでしょう。戦前の、しかも南の島のことで、観測の準備も大変だったと想像されます。
で、白黒写真をプリントをする人が必ずと言ってよいほどお世話になるのが「小穴式ピントルーペ」。これ以上のものはもう作られることはないでしょう。調べてみるとすでに製造は打ち切られているようで、残念です。
Photoshopの新しい機能に Super Resolution なるものが出てきました。Camera Rawで編集するときに「強化」※を選択すると解像度が2倍になるという謳い文句です。つまりデジタルカメラの画素数が4倍になる魔法のような機能です。ちなみに一度強化した画像をさらに強化することはできません。
ビネガーシンドロームで寿命がきたネガをデジタル化していますが、ひどく変形してしまうとスキャナーのネガキャリヤに入らなくなります。そこでガラス製のネガキャリヤに挟み、ライトボックス上でデジタル一眼で複写してみました。2600万画素フルサイズ機に50mmマクロレンズをつけて撮影し、Super Resolution を適用すると一億画素を超えます。
ブローニー以下のフィルムのデジタル化には十分使えそうです。
イメージ・インテンシファイアは（光電子）増倍デバイスと訳されていたので、「強化」よりは「増倍」や「倍増」のほうがぴったりきます。文字通り解像度を「倍増」しているのですから。
さる「写真販売展」で、「同じイメージを違うサイズでプリントし販売することはルール違反だ」と聞いたことがどうしても気になり、少しリサーチしてみました。
その結果はつぎのようで、エディションを変えて大きさの違うプリントを販売することは別に問題なさそうです。
その１： 研究会の写真展にも時々来ていただいている写真代理店のはなし
「ルール違反だという話は聞いたことはない。ワンサイズでやっている写真家も、ツーサイズ、スリーサイズでやっている写真家もいる。」
その２： アメリカのファインアートギャラリーの見解
「最近、多くのギャラリーは美術館に購入してもらうことをねらって大きなプリントサイズを望んでいます。この場合は同じサイズが望まれています。しかし、普通のコレクターには大きすぎる場合が多いので、別のエディションで小さなプリントをつくることができます。」
写真を作品として売買することが、もっと普通になるとよいですね。
季節外れの暖かい日曜日、ギャラリーで「写真販売展」と銘打った写真展を観ました。
ギャラリーの壁一面に展示することが普通ですが、額装した展示は数点のみで、作者にお話を聞くと、ポートフォリオのボックスから一枚ずつ取り出して丁寧に説明していただきました。
ゼラチンシルバープリントをフランスでも販売した実績があるということで、写真作品を買って、身近に飾ってもらうことをめざしているそうです。おおいに共感できるおはなしでした。
そのなかで興味深かったのは、海外では？サイズ違いのプリントを値段を変えて売ることはご法度だというおはなしです。自分の数少ないコレクション経験では、アメリカのギャラリーで同じイメージのサイズ違い、値段違いのプリントを見たような記憶があります。最近のトレンドなのでしょうか？
東京も冷えてきた一日でしたが二つの写真展を廻りました。どちらもゼラチンシルバープリントの表現を極限まで突き詰めたプロフェッショナルの作品です。
石元泰博「伝統と近代」 （東京オペラシティアートギャラリー）
六本木アマンドの角を曲がり、芋洗坂を下ったところにあるストライプハウスギャラリーを初めて訪ねました。千代田路子さんの写真展を拝見するのは昨年に続いて二度目ですが、今回は広島にあるという修道院を舞台にした作品群です。（11月20日まで）
西麻布のギャラリーE&Mまでは歩いて20分ほど。午後の当番に間に合いました。
写真展の会場であるギャラリーE&M西麻布から徒歩圏？にある二つの写真展にいきました。
